Así se crearon los espectaculares trajes de la exitosa serie The Bridgerton

Ellen Mirojnick, diseñadora a cargo del vestuario de la serie de Netflix The Bridgerton, reveló algunos de los secretos del despampanante vestuario de la producción de época del momento.

¿Cómo llegó a trabajar en Bridgerton?

Me involucré en Bridgerton por primera vez debido a una relación que tenía con Shondaland (productora a cargo de la serie). He hecho un par de proyectos con ellos. Ellos llegan a mí entendiendo que sé cómo interpretar un período, darle un aspecto que sea accesible para el ojo moderno, al mismo tiempo que manteniéndolo auténtico al período de tiempo en el que se desarrolla la historia.

Recomendados

Entrevista con Danny Glicker, el genio detrás de los vestuarios salvajes de “Angelyne”

Camarógrafo que perdió un ojo tras ataque en Tirúa repasa a TVN: “No me siento valorado por el...

Delegada presidencial del Bío Bío pide sumario al Sename por tener en su equipo a funcionario denunciado por...

¿Cuál es el sello del estilo de la regencia inglesa?

La silueta es similar a una silueta griega. Para las mujeres, es una línea imperio, muy delgada y acentuando el escote. Los hombres son dandies y siempre es divertido hacerlo por las combinaciones de colores, de telas y texturas que son muy atrevidas. Son pícaros y guapos al mismo tiempo.

¿Cómo comenzó el trabajo?

Primero, miré pinturas, moda y otras imágenes en línea y en cualquier otro lugar donde pudiera obtener imágenes de la época. También miré lo que se asemejaba mejor al período en un sentido moderno. Entonces te armas una imagen en tu cabeza de cómo se siente. Yo trabajo basada en la intuición y el sentimiento. En el caso de Bridgerton, la serie comienza en 1813. Realmente no mezclamos las últimas décadas del siglo XIX, nos quedamos por debajo de 1820 y nos mantuvimos dentro de esa sensación de lo que realmente es Regency.

¿Cómo abordó las paletas de colores para las dos familias?

Surgió a través del lookbook inicial, la investigación y lo que nos atrajo. Creo que en una de las conversaciones que tuve con la productora Betsy Beers y el creador Chris Van Dusen estábamos pensando en colores como un sorbete, y también en los colores de macarrón francés. Eso en sí mismo son solo palabras, pero luego, cuando pones imágenes a esos colores es muy estimulante. Ese tipo de tratamiento de los colores le da vida a un espectáculo que es inesperado y nosotros dimos el salto desde allí. Cuando Chris escribió sobre los Featheringtons, usó colores ácidos (verde ácido, amarillo ácido, naranja ácido) y eso fue una indicación muy clara de lo que teníamos que hacer y luego lo dividimos en formas, desenfreno y mansedumbre. Con los Bridgerton, se trataba del azul Bridgerton y encontramos los colores Wedgwood, techos tallados que parecían pasteles franceses y pasteles de boda franceses y que se sentían como el mundo Bridgerton y el mundo de la aristocracia. Existe tanta contradicción entre estas dos familias, por lo que analizamos cómo podríamos unirlas y cómo podríamos separarlas. Siempre es por color, forma y adorno. Los Bridgerton son sublimes, limpios, clásicos y hermosos. La escritura en sí nos dio instrucciones claras de lo que era necesario diseñar.

Esta es una serie con muchos personajes. ¿Qué tan desafiante fue esto para usted y su equipo?

Este es el show más grande que he hecho. Es el equivalente a tres películas muy grandes. La cantidad de trajes es exorbitante, por lo que hubo que desglosarlo un poco. Siempre es difícil hasta que se hace el casting y puedes hacer asociaciones, porque Daphne realmente no significa nada hasta que Phoebe llega. Como diseñadora, realmente me enfoco en lo que es la silueta, de modo que cuando cierras los ojos y piensas en Daphne, no estás pensando en un pequeño lazo que podría estar en un escote, sino que estás pensando en Daphne como todo el personaje.

La historia muestra personajes que asisten a muchos bailes. ¿Cómo abordó esas situaciones?

Definitivamente nos ofreció un gran desafío, pero al mismo tiempo un gran deleite. No puedo enfatizar lo suficiente el tamaño del show, fue gigantesco. Crear vestido, tras vestido, tras vestido, y traje de noche, tras traje de noche, tras traje de noche, lleva horas y horas y horas. Inicialmente se trata de encontrar la tela. ¿Tenemos que hacer la tela? ¿Tenemos que adornar la tela? ¿Tenemos que diseñar una pieza de tela? ¿Qué tenemos que hacer para obtener la mayor variedad y la mejor calidad de lo que queremos retratar? ¿Cómo queremos retratar a estas jóvenes que salen a la sociedad por primera vez? Todo era un equilibrio, pero era un trabajo interminable y una empresa enorme. Es una forma diferente de pensar en diseñar, fabricar, cortar, bordar, encontrar sombreros, encontrar formas, encontrar diferentes tipos de adornos y decidir qué incluir.

¿Sabe cuántos trajes confeccionó?

Durante los primeros seis episodios, solo para los personajes femeninos, ¡hubo 359 trajes cortados! Fue abrumador cuando lo vimos por primera vez. Posteriormente, descubrimos una forma de hacerlo y fue empleando diferentes cortadores para hacer diferentes cosas, pero fue un número abrumador. Solo para el primer episodio hubo 100 trajes principales femeninos por hacer. Nunca había visto números como este en todos los años que he estado haciendo esto, pero estoy muy orgullosa de decir que este equipo es como ningún otro y se elevó por encima de cualquier expectativa. La vara está tan alta que no creo que alguien pueda superarlo.

ExpandirReproducción automática

1 de 2

(ELLEN MIROJNICK/NETFLIX/ELLEN MIROJNICK/NETFLIX)

Tenían una fábrica de trajes en el set. ¿Fue la única manera de hacer esto posible?

Absolutamente. Tener todo lo que pudiéramos tener en el set fue una excelente manera de comenzar. Nuestro aprendizaje a futuro es que siempre tenemos que preguntar a las personas que contratamos: “¿Cuántos vestidos puedes hacer? ¿Puedes hacer diez vestidos de baile? ¿Puedes hacer diez vestidos de día? ¿Puedes hacer veinte trajes de paseo?”. Con nuestros cortadores en casa, realmente todos se acercaron hacia el personaje para el que eran más adecuados, lo cual es un lujo y se traduce en un gran resultado. De esta manera, todos encontraron su propio nicho.

Muchos de los personajes luchan con sus identidades y lo que la sociedad espera de ellos. ¿Cómo integró esto en la forma en que se vestían?

Eloise es un personaje que desde el principio tiene rebelión como segundo nombre. Lo único con lo que todos coincidimos al mismo tiempo fue agregar un poco de masculinidad a las formas. Pensamos que si le agregábamos una levita y un gran lazo negro, la haríamos más monocromática y no le daríamos colores suaves. Ella odiaba los adornos y los pequeños detalles. Le das la forma de una levita de hombre y un toque de blanco y negro, y lo dice todo.

¿Tiene un diseño que no pueda esperar ver en la pantalla?

Todos los diseños son como nuestros hijos y son muy especiales. Cada vez que creo que amo algo más que el resto, me gusta algo más. Me encantan los trajes de la reina. Me encantan los trajes de los niños. Me encantan los terciopelos, las telas y la riqueza de todo. También me encantan los estampados salvajes que lleva la señora Featherington y la audacia de ese personaje. ¡Entonces puedes ver que no sé lo que realmente amo más!

Ver más

Así se grabaron las escenas sexuales de The Bridgerton en la vida real

Si te gustó Bridgerton, tienes que ver estas otras producciones de romance victoriano