En un mundo donde el auge de la novedad hace que la gente compre fast fashion a niveles escandalosos (se consumen 80 billones de piezas a nivel global cada año) y en donde la ropa límpida y casi plástica domina en las editoriales, lo trajinado, usado, reciclado se trata de imponer como un stop ante el frenesí de la novedad y el ánimo incesante de la moda por fantasías inmaculadas. De tal manera, la ropa rota, las prendas trajinadas e incluso las piezas rasgadas ( Porque la ropa, solo cuando es usada y recontextualizada, puede contar una historia poderosa y esta fue la premisa que el Fashion Institute of Technology usó para su exposición “Fashion Unraveled”, donde vemos que incluso la ropa hecha trizas dice mucho de su historia y de la moda en el contexto humano.
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Metro habló con su curadora, Colleen Hill, sobre el valor y relevancia contemporánea de la ropa “imperfecta” en una industria que ha vendido perfección y plasticidad por décadas.
-¿Por qué es relevante hacer, en estos días, una exposición sobre la imperfección de la moda?
Desde la década pasada, los asistentes a los museos se han familiarizado con las exhibiciones de moda y estas se han vuelto muy populares. Las modas presentadas son ejemplos prístinos de un periodo de tiempo, el trabajo de un creador o un tema en particular. Si un objetoo muestra signos de desgaste, a menudo este se camufla mediante una iluminación inteligente o colocación dentro de la exposición. Esta énfasis en la perfección pasa por alto una de las cosas más importantes sobre la ropa: que está destinado a ser usada. A medida que los visitantes del museo se familiaricen con la moda, creo que están preparados para una mirada más personal y detrás de escena en la exhibición. Las colecciones de moda de los museos tienden a tener muchas prendas con defectos visibles, y me gusta la idea de apropiarse de la historia de una prenda en lugar de disfrazarla.
-¿Cómo manejaste el concepto de imperfección cuando tiene múltiples ángulos, por ejemplo en el cuerpo o los estándares de la industria de la moda?
Mi aproximación estaba basada estrictamente en la calidad material de las piezas. Estudié signos de uso, remiendos, alteraciones y readaptaciones. Por otro lado, algunos defectos son tan evidentes que un objeto de este tipo no sería ser seleccionado para su exhibición. La parte final de la exposición, dedicada a la moda ampliamente y deconstruida, muestra cómo esos «defectos» se convirtieron en una parte intencional e incluso deseable del léxico de la moda durante la segunda mitad del siglo XX. Si bien los conceptos de inclusión / exclusión y perfección / imperfección que exploro en esta exposición se superponen con otros segmentos de la industria de la moda, quería mantener un claro enfoque en los objetos y las historias que cuentan.
¿Cómo fue el proceso curatorial y qué elementos tuviste en cuenta para escoger las piezas de la exhibición?
Dividí la exhibición en cinco temas principales (Detrás de las Costuras, Remendado y Alterado, Reutilizado, Sin terminar y Trajinado/Deconstruido) prontamente en el proceso curatorial y esto me llevó a buscar los mejores objetos que encajaran en cada descripción. Yo quería que cada prenda contara una historia distinta en la exhibición. Por ejemplo, tengo un vestido del siglo 19 que fue alterado para ser vestuario de teatro, que es, de hecho, un tipo muy común de transformación para colecciones de museo. También me gustó la ide de seleccionar objetos que tienen cambios sutiles, como un traje de 1760 que data de 1730 o un Schiaparelli conservado meticulosamente, ocultando el hecho de que alguna vez sufrió grandes alteraciones. En el caso de las prendas reutilizadas, mi objetivo era crear parejas o agrupaciones de ropa que tuvieran algo en común, incluso si eran de épocas completamente diferentes. Por ejemplo, el vestido 2018 de Mimi Prober, hecho con retazos de encaje antiguo, se muestra al lado de una capa de 1890 de la Casa de Worth que se rehizo con encajes del siglo XVIII.
¿Cuáles son las piezas más significativas de la exposición y por qué?
Espero que todas las piezas seleccionadas sean significativas en su propio modo, pero estoy especialmente a favor de aquellas que muestran un proceso “detrás de la escena”. Por ejemplo, incluí un ensamble de los tardíos 1970 que tiene un vestido de Halston y una chaqueta de Thea Porter. Como curadora, nunca me limitaré a decidir si ensamblo estas piezas estas piezas porque me gusta cómo se ven. En este caso, sin embargo, sabemos que Halson sugirió que su vestido se usara con la chaqueta de Porter, por lo que me sentí cómodo emparejándolos y explicando esta historia. También quería destacar la experiencia de los conservadores en la exposición. Por naturaleza, el trabajo de los conservadores tiende a ser invisible y, como tales, a menudo no reciben suficiente crédito por su trabajo. La exposición incluye un par de zapatos de mediados del siglo XVIII, uno de los cuales ha sido conservado por expertos, mientras que el otro ha quedado en su estado original, destruido . Su yuxtaposición es bastante impactante. Otra selección en este sentido es una muestra de vestidos de principios de 1920 de Madeleine Vionnet, con bordados de Lesage. Aunque los páneles que componen el vestido están bellamente bordados, varios no se han cortado y doblado. La ética del museo nos impide realizar alteraciones permanentes en los objetos, por lo que los paneles permanecerán como muestras casi completas que nunca se pueden convertir en un vestido.
¿Cuál es el mensaje que estas piezas dan en una industria que irónicamente vende “perfección”?
Considero que la moda deliberadamente trajinada y deconstruida actúa como un «epílogo» de la exposición, y en ella analizo cómo algunos diseñadores han adoptado bordes inacabados, telas gastadas, asimetría y técnicas de construcción visibles. Tal ropa no convencional evita los estándares típicos de belleza y puede ofrecer cierta libertad para quien la usa. Los primeros ejemplos de moda deconstruida, como una camiseta de 1983 de Rei Kawakubo de Comme des Garçons, subrayan el desinterés del diseñador en la ropa pulida y reveladora del cuerpo que de otro modo dominaría la moda en esa época. Otro ejemplo: las botas tabi de Maison Martin Margiela de 1990, gruesas y recubiertas de pintura blanca, están destinadas a agrietarse y deteriorarse con el uso. La idea de que estas botas sean interesantes con el tiempo y la edad ofrece un respiro de la brillante perfección de la moda, sin dejar de verse edgy y vanguardistas. También nos recuerdan la naturaleza efímera de la moda.
¿Cree que hay ahora un cambio cultural sobre cómo vemos la imperfección en la moda y cómo esto es celebrado?
Aunque la idea de apropiarse de la imperfección en la moda no es nueva, ha vuelto en los últimos años. Los jeans Levi’s vintage de Vetements son un excelente ejemplo de cómo la ropa gastada e imperfecta se ha ganado un prestigio en la alta moda . A los consumidores parece gustarles la idea de comprar ropa que sea única en su tipo y que tenga una sensación de estar viva , y esto parece corresponder directamente a la tendencia hacia una moda cada vez más casual. También vemos delicados problemas culturales en las “imperfecciones en la moda, principalmente en las pasarelas. La infame tendencia «homeless chic», por ejemplo, de la que se burlaron en la película «Zoolander».
¿Cuál es la relación de este tema con el concepto de la exhibición?
Mis selecciones para la exhibición se enfocaron en diseñadores que ven la imperfección para explorar diferentes nociones de belleza y nuestros lazos emocionales hacia las prendas. Esto no significa que glamoricemos la pobreza.
¿Por qué cree que estos elementos de la moda imperfecta (sobre todo en la era digital) siguen siendo tan impactantes pero a la vez grandes hits?
No los describiría así, pero sí pienso que capturan la atención y son únicos. La ropa que manejamos en el concepto de la exposición incluye montones de texturas e interés visual y eso se ve bien a distancia y de cerca. Estos estilos se destacan a medida que navegamos en Instagram u otros sitios. También me gusta la idea de que ciertos estilos que manejamos en la exposición tengan una estética DIY: si no nos podemos permitir el vestido ingenioso de Junya Watanabe hecho con jeans vintage, quizás podamos crear algo similar para nosotros.
¿Cómo es que “Fashion Unraveled” cuenta una historia en la época de la prenda DIY y el reciclaje?
La sección más grande de la exposición está dedicada a la moda reutilizada: prendas que han sido rehechas a partir de prendas o textiles existentes. Me gustan especialmente estas prendas porque las encuentro realmente inspiradoras y creativas. En el pasado, las telas se reutilizaban porque eran muy valiosas. Por ejemplo, los chales de cachemira del siglo XIX no se descartaban una vez que pasaban de moda como prendas de abrigo. Estos hermosos y costosos trozos de tela fueron reutilizados de muchas maneras diferentes; en la exposición, tengo un ejemplo de un chal que se rehizo en una bata. Espero que los visitantes de Fashion Unravelled puedan aprender de esta mentalidad. Me gustaría que establezcamos conexiones emocionales más fuertes con nuestra ropa, aprendamos a valorarlos de nuevo, y pensemos más creativamente sobre cómo podemos reutilizar y rehacer lo que ya existe.
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